В начале 20 века, примерно к 20-м годам общество постепенно отказалось от уходящего стиля ар нуво с его витыми линиями и блеклым колоритом. Поздний ар нуво, названный «модерном», порадовал укреплением геометризма. Вместо крылышек фей ювелиры начали изображать крылья аэропланов. На два года поиски стиля прервала Первая мировая война, но период между двумя мировыми войнами стилю ар деко принадлежит полностью. Желающим познакомиться с этим стилем можно посмотреть фильм «Великий Гетсби».
В 1920-х годах появилась мода «гарсон», когда модные парижанки коротко стригли волосы и укорачивали юбки, отказывались от рукавов. Вместо вечерней роскошной «брошь-кисти» днем носили искусственный жемчуг в виде бесконечной нити или бусы из камней. В моду вошли тяжелые пояса и браслеты на запястьях и на предплечьях. Новинкой стала двусоставная брошь, запирающаяся клипсовым замком, которой закалывали модные полупальто с рукавами в три четверти – «труакары».
Наручные часы, заменившие привычное исполнение на цепочке в это время начали входить в обиход и произвели настоящий фурор. Их выпускали разнообразных форм, богато и изящно декорировали.
Таким образом во Франции возник, а затем утвердился во всей Европе и США стиль ар деко (написание в русском варианте арт деко не совсем правильно, поскольку в Art Deco буква t не читается).
Стиль ар деко в ювелирном искусстве
В период конструктивизма настоящей музой ювелиров стала технократия, которая и определила основные черты украшений того времени – прямые углы и линии, геометрические формы, окружности, открытая «типографическая» расцветка. Стиль Art Deco имел вполне конкретную задачу – между двумя мировыми войнами создать миф о том, насколько роскошно жило «потерянное поколение».
В 1922 году была открыта гробница Тутанхамона, что пробудило интерес к Египту. Линию украшений в египетском стиле открыла фирма Картье. Это были нефритовые подвески с алмазами и рубинами, изготовленные из дымчатого кварца скарабеи, на крылья которых пошел голубой фаянс.
В эпоху ар деко возникли постимпрессионизм, сюрреализм, экспрессионизм, вкусы людей формировали дягилевские сезоны в Париже. Все это дополняло зрелище появляющейся новой техники. Сын знаменитого в прежнюю эпоху ар нуво художника-ювелира Жоржа Фуке, Жан фуке создавал свои работы в стиле, который отличался от всех и от всего. Его работы – сохранившиеся в собраниях Нью-Йорка и Парижа браслеты и броши из слоновой кости действительно ни на что не похожи. Это – чистой воды кубизм, мотив авангарда начала двадцатого века.
Другой ювелир из Парижа, Раймон Тамплие выпускал своеобразные «небоскребы» — платиновые серьги с проявлением конструктивистских идей. Геометрические элементы своих «драгоценных конструкций» Тамплие украшал японским лаком или яркой эмалью. Ювелиров Жана Фуке и Раймона Тамплие можно считать настоящими «гостями из будущего».
Ювелирный Дом Картье, взявший ар деко за основу
В 1920 – 1930-х годах Дом Картье выпускал изделия, в которых четко видно становление нового стиля. Прежде всего Картье начал использовать простые формы и композиции в виде кругов и сегментов, которые считал наиболее «женственными». Далее им были освоены и иные фигуры. Свои украшения из горного хрусталя, перламутра, нефрита, оникса с четкими простыми силуэтами украшались бриллиантами и другими драгоценными камнями с тщательным подбором цветовой гаммы.
Но затем мастера, работавшие в Доме Картье, освоили «белый ар деко», соединив бриллианты и белую платину с черной эмалью и черным ониксом. Так родился из черных и белых пятен особый мотив «шкура пантеры», который был использован и при создании наручных часов. Благодаря «белому ар деко» обогатилась не только фирма – произошло становление всего нового стиля.
На цветном фоне в то время исполняли броши в виде корзин с цветами или ваз с фруктами, собранные из сапфиров, рубинов, изумрудов. Для украшений в стиле ар деко был очень характерен мотив корзины, наполненной цветами.
В 1925 году в Париже прошла выставка современной промышленности и декоративных искусств, ставшая подлинным триумфом Дома Картье. Французские ювелиры Сандоз, Фуке, Ван Клиф, Деспре, Мобуссен и другие показали, как рождается эстетика новейшей эпохи. Парижский ювелир Жорж Мобуссен, уже весьма известный высшему обществу, получил золотую медаль.
Эпоха ар деко и ювелирные технологии
Альфред Ван Клиф и Жюльен Арпельс в 1935 году придумали невидимую закрепку для драгоценных камней. Вытачивались канавки в рубинах, сапфирах и бриллиантах, камни прилегали друг к другу вплотную, металл полностью покрывался. Благодаря этой новинке фирма «Ван Клиф и Арпельс», а за ней и остальные начали создавать в стиле ар деко настоящие шедевры.
К 30-м годам украшения в стиле ар деко стали массовыми, поскольку и в европейских странах, и в Америке начали создавать вещи, доступные широкому кругу покупателей. Это были броши-клипе из бриллиантов, сотуары (от французского«porter en sautoire» — носить через плечо) и браслеты, где небольшими бриллиантами подчеркивались орнаментальные линии четких плоских узоров. В антикварных магазинах можно и сегодня встретить много подобных украшений.
Во всем мире период господства стиля ар деко продлился между Первой и Второй мировыми войнами. Но его образный строй и используемые приемы оказались настолько универсальными, что и по сей день смотрятся ярко и современно.
ПОДПИСЫВАЙТЕСЬ НА НАС В ДЗЕН
Ар декоУже в первое десятилетие XX века ювелиры постепенно начинают отказываться от изощренных форм и извилистых линий модерна. Под влиянием бурных процессов, происходивших в это время в литературе, живописи, архитектуре, ювелиры также обратились к поиску новых средств выражения, что нашло отражение в геометрических линиях позднего модерна. Однако эти поиски были прерваны Первой мировой войной, которая не только унесла множество жизней и оставила несметные разрушения, но и привела к разочарованию в ценностях прошлого и породила неудержимое желание обрести новые идеалы.
Ювелиры, всегда чутко прислушивавшиеся к настроениям в обществе, быстро осознали, что их искусство может принести людям радость, помочь им забыть об ужасах войны. Но для достижения этого необходимо было предложить принципиально новые изделия. Вдохновленные художественными идеями искусства начала XX века, которые воплотились в живописи кубистов и абстракционистов, русских супрематистов и итальянских футуристов, наконец, в ярких красках костюмов и декораций балетных спектаклей «Русских сезонов» Сергея Дягилева, ювелиры, как и их собратья по искусству - архитекторы и художники-декораторы, работавшие над оформлением интерьеров, - окончательно отказались от причудливо изгибающихся линий и блеклого колорита модерна. В поисках новых средств выражения они обратились к ясным геометрическим формам, с четким построением симметричных композиций, главенствующую роль в которых играли прекрасно ограненные драгоценные камни.
Стиль созданных ими произведений позднее назовут ар деко. Он сочетал в себе простоту и роскошь, четкость геометрических конструкций и яркую игру сверкающих камней. Этот стиль, сформировавшийся к началу 1920-х годов во Франции, вскоре покорил США, а затем и большинство стран Европы, подчинив своим художественным принципам практически все виды прикладного искусства, включая костюм.
Новая мода полностью подпала под власть чистой геометрии, и женский костюм, напоминавший кроем рубашку, стал определяться строгой конструктивностью. Среди творцов моды появились новые имена. В 1920 году в Париже открыла модный салон художница-авангардистка Соня Делоне, украшавшая свои модели яркими геометрическими узорами. В 1930-е годы на небосклоне моды засверкала новая звезда - Коко Шанель, которая уделяла большое внимание ювелирным аксессуарам, а вскоре и сама начала проектировать драгоценности. Новое время породило и новый идеал женщины. Она стала самостоятельной и независимой, равноправным партнером мужчины. Смелые парижанки, признанные законодательницы моды, вскоре после войны в первую очередь остригли волосы, затем укоротили юбки и надели платья без рукавов. Возникло оригинальное направление моды, ориентированное на полудевичьи, полумальчишеские фигуры - так называемая мода «гарсон». Правда, в 1930-е годы линия платья несколько смягчилась, мода-люкс стала более женственной, а представления о красоте воплотились в образах голливудских кинозвезд. Но в оба эти десятилетия женский костюм открывал широкие возможности для фантазии ювелиров.
Слева направо
Шанель (фирма), Клипсы и кольцо, Около 1935, Изумруды, рубины, золото
Тиффани и Ко (фирма), Брошь в виде цветов, Бриллианты, сапфиры
К числу наиболее живописных украшений, несомненно, принадлежала «брошь-кисть», оформлявшая открытый ворот вечернего платья; в дневных, более скромных, туалетах ее заменяла необычайно длинная нить искусственного жемчуга или бусы из камней. В моду вошли длинные серьги, эффектно украшавшие стриженые головки, тяжелые пояса и браслеты, которые зачастую надевали не только на запястье, но и предплечье. Появился новый вид украшения - состоявшая из двух частей брошь с клипсовым замком; ею закалывали модные труакары. Исключительную популярность приобрели в этот период наручные часы, при их создании ювелиры проявляли удивительную фантазию. Часы отличались разнообразием форм, богатством декора и изяществом. Корпус и браслеты украшались драгоценными камнями.
Пионерами нового направления в ювелирном искусстве оказались французские мастера. В их числе был и один из самых известных ювелиров Парижа -Жорж Фуке, которого в эпоху модерна называли «вторым после Лалика». В одной из его наиболее совершенных работ начала 1920-х годов, в круглом кулоне с симметричными подвесками, уже видны все черты нового стиля -ясная геометрия формы и орнаментального строя декора, смелое смешение дорогих материалов: бриллиантов, изумрудов, ляпис-лазури и горного хрусталя.
Фуке, Жорж
Слева направо
Эскиз кулона с изображением китайской маски
Корсажная брошь "Китайская маска"(Около 1920 - 1925, Эмаль, оникс, жадеит, бриллианты)
Кулон (1923 - 24, Хрусталь, нефрит, лазурит, бриллианты, калиброванные изумруды, платина)
Еще более новаторскими были эксперименты его сына Жана Фуке: он создал серию украшений, совсем не похожих на все то, что делалось раньше. В собраниях Парижа и Нью-Йорка хранятся его брошь из слоновой кости и браслет, составленный из круглых желтых золотых звеньев, которые украшены пирамидами из черного оникса и кружками из белого золота. Эти необычные драгоценности явно созданы под влиянием авангардных поисков живописцев начала века, и прежде всего кубистов. Не менее интересны серьги из платины другого парижского ювелира - Раймона Тамплие; в их построении явно ощущаются идеи конструктивизма. Тамплие декорировал строгие геометрические элементы своих «драгоценных конструкций» яркой эмалью или японским лаком, достигая необычайно эффектных цветовых контрастов. Однако эти выразительные и оригинальные работы обоих ювелиров в большей степени производили впечатление «самодостаточных» произведений искусства, чем украшений, гармонично связанных с телом человека и его костюмом. Пожалуй, в таком подходе к художественному решению драгоценностей Жан Фуке и Раймон Тамплие почти на сто лет опередили свое время.
Фуке, Жан
Слева направо
Браслет (Белое и желтое золото, оникс)
Брошь(1925 - 1929, Желтое и белое золото, хрусталь, оникс, лак, бриллианты)
Фуке, Жан
Слева направо
Колье (1925 - 1930, Золото, платина, серебро, черный лак, аквамарин)
Браслет на запястье (Около 1930, Горный хрусталь, аметисты, лунный камень, платина)
В 1920-х годах, на первоначальном этапе создания стиля, который порою называют «джаз-модерн», ювелиры зачастую использовали такие материалы, как эмаль, хром, стекло и пластмасса, и отдавали предпочтение ярким краскам. Но очень скоро они осознали, что послевоенному «потерянному поколению» необходима иллюзия благополучия, которую давали только золото, платина и самые красивые природные камни. Многие люди уже на собственном горьком опыте убедились в том, каким спасительным финансовым источником в грудные времена могут стать драгоценности - к тому же они долгое время были лишены их.
Темплие, Раймонд
Слева направо
Подвеска (1925, Платина, черная эмаль, горный хрусталь)
Брошь (Платина, бриллианты)
Это очень хорошо понимали ювелиры Дома Картье, всегда являвшиеся приверженцами использования в украшениях самых роскошных камней. Еще перед Первой мировой войной Луи Картье, возможно, первым среди ювелиров почувствовал новые веяния в искусстве и начал стилизовать любимые им мотивы разнообразных гирлянд, придавая им геометризированный характер. Его произведения 1920-1930-х годов наглядно демонстрируют основные этапы развития нового стиля.
На первом этапе Картье отдавал предпочтение гармоничным композициям и простым ясным формам. Первоначально это были круг или сегмент, поскольку он считал, что именно эти геометрические фигуры больше всего подходят для украшений, предназначенных женщине. Позднее он обратился и к другим геометрическим формам: квадрату, прямоугольнику, реже ромбу. Украшения с простым и четким силуэтом, выполненные из оникса, горного хрусталя, нефрита, кораллов или перламутра, он декорировал бриллиантами и другими драгоценными камнями, тонко подбирая их изысканную цветовую гамму.
Слева направо
Картье (фирма) Подвеска (1920 - 1930-е, Оникс, бриллианты, мелкий жемчуг, кисти)
Картье, Луи, Короткое ожерелье с подвесками в виде бантов и "любовных" узелков. Фрагмент (1930-е годы, Бриллианты)
Но довольно скоро ювелиры Дома Картье отказались от ярких цветов и стали инициаторами появления так называемого стиля «белый ар деко». Строгие геометрические формы их украшений оживляли контрастные сочетания белой платины и бриллиантов с черным ониксом или черной эмалью. На основе этой выразительной оптической игры черных и белых пятен был создан своеобразный мотив, получивший название «шкура пантеры». Этот мотив нашел применение при создании оригинальных брошей в виде пантер или украшений для прически, его использовали и при оформлении наручных часов. Период «белого ар деко», пожалуй, оказался не только наиболее плодотворным в деятельности фирмы, но и наиболее важным для становления нового стиля в целом.
Однако Луи Картье даже в «белый период» не отказывался от цвета, выполняя из изумрудов, рубинов и сапфиров броши, воспроизводящие «вазы с фруктами» или «корзины с цветами». Кстати, мотив корзины с цветами был весьма характерен для декора стиля ар деко. К нему обращались не только ювелиры, но и декораторы - оформители интерьеров, и мастера других видов прикладного искусства. Так, модными композициями в виде стилизованных цветочных корзин любил украшать свою мебель самый именитый французский краснодеревец той поры Эмиль-Жак Рульманн.
Слева направо
Картье (фирма), Браслет "Фруктовый салат" (1928, Платина, бриллианты, рубины, изумруды,эмаль)
Картье, Луи, Пара брошей (1920-е годы, Бриллианты, сапфиры)
Многоцветные драгоценности стали особенно популярными после возникновения моды на индийские украшения. К тому же рынок камней был насыщен рубинами, сапфирами, изумрудами, ограненными в форме листьев, цветов, ягод или шаров. Тогда же появились знаменитые украшения Картье в изобретенной им стилистике «тутти фрутти», они представляли собой яркие многоцветные композиции из резных драгоценных камней. После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту фирма начала производить красочные украшения, выполненные в «египетском стиле». Среди них - эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами. Особенно часто ювелиры стали создавать яркие декоративные изделия после кризиса 1929 года: так они пытались, привлекая внимание покупателей, выстоять в это трудное время.
Картье, Луи, Слева направо Ожерелье из гарнитура. Фрагмент (1930 год,Бриллианты, сапфиры)
Брошь в виде цветка (1920-е годы, Платина, желтый бриллиант, бриллианты)
Таким образом, история Дома Картье наглядно иллюстрирует процесс становления стиля ар деко. Окончательно он сформировался к началу 1920-х годов, а своего апогея достиг к середине десятилетия. Временем его триумфа стала Выставка декоративных искусств и современной промышленности, проходившая в 1925 году в Париже. Собственно, именно на этой выставке стиль получил окончательное признание, а позднее ее сокращенное название - «Ар деко» - стало названием стиля.
Экспозиция ювелиров размещалась в роскошном здании Гран Пале. Картье выставлялся в другом павильоне выставки («Элеганс»), объединившись с прославленными модельерами той поры - Бортом, Ланвен и другими, вероятно, с тем чтобы еще раз подчеркнуть неразрывную связь украшений и костюма. Представленные на выставке произведения Фуке, Сандоза, Тамплие, Бушерона, Картье, Ван Клифа, Мобуссена и других французских ювелиров явились завершением поисков предыдущего периода и символизировали рождение эстетики новой эпохи.
Успех ювелиров, работавших в стиле ар деко, был феноменальным. Формальным признанием нового стиля можно считать то, что высшую награду выставки - Золотую медаль - получил за украшения в стиле ар деко парижский ювелир Жорж Мобуссен. К тому времени его изделия уже были хорошо знакомы любителям драгоценностей. Созданные Мобуссеном колье, в которых закрепленные в платиновую оправу бриллианты чередовались с прекрасными жемчужинами и оформляли центральную часть - жадеитовое кольцо, - отличались удивительной красотой и элегантностью и были предметом вожделения многих светских красавиц и звезд Голливуда. Его подвески в виде стилизованных цветочных ваз и фонтанов, декорированные резными изумрудами, бриллиантами и эмалью, становились объектом для подражания и копирования. Все эти украшения выполнены в стиле ар деко, и именно этот стиль сделал фирму «Мобуссен» знаменитой.
Но развитие стиля не стояло на месте. Он родился в век науки и техники и в значительной мере испытал влияние его достижений. Один из ювелиров, участников выставки, писал, что «полированная сталь, тусклый никель, тень и свет, механика и геометрия -все это предметы нашего времени. Мы видим их и живем с ними каждый день. Мы люди своей эпохи, и это основа всех наших настоящих и будущих творений...» Не удивительно, что ради достижения художественной выразительности ювелиры прилагали немало усилий в поисках новых материалов и разрабатывали новые технологические приемы.
Наибольшего успеха добилась фирма «Ван Клиф и Арпельс». В 1935 году Альфреду Ван Клифу и Жюльену Арпельсу удалось изобрести новый вид закрепки драгоценных камней - невидимую закрепку (от английского invisible set). Этот способ крепления предусматривает прецизионное гранение подобранных по цвету твердых драгоценных камней -бриллиантов, сапфиров или рубинов, в которых вытачиваются канавки, позволяющие вставлять камни вплотную друг к другу и таким образом полностью покрывать ими металл, скрывая золотую основу. Этот технологический прием позволил мастерам фирмы «Ван Клиф и Арпельс» - а впоследствии и других фирм - создать серию превосходных украшений в стиле ар деко. Возможно, благодаря именно таким украшениям, впрочем, как и произведениям Картье, Бушерона, Мобуссена и других ювелиров, стиль ар деко стал всемирно признанным синонимом роскоши и своеобразной эффектности.
Ван Клиф и Арпел (фирма)
Слева направо
Гибкий браслет "Египетский" (1924, Платина, бриллианты, изумруды, рубины, сапфиры, оникс граненый и гравированный, оправа "pave" и в "рельсовый" каст)
Гибкий браслет с египетскими мотивами. Фрагмент (Около 1924, Бриллианты, сапфиры, рубины, мелкие изумруды, платина)
Ван Клиф и Арпел (фирма)
Слева направо Брошь "Пион" (1937, Платина, желтое золото, бриллианты "багет", рубины "карре" и овал, закрепка в "рельсовый" каст и "pave")
Колье (1938, Платина, бриллианты "багет", изумруды "кабошон", закрепка "рельсовая" и в гнезда)
Уже в 1930-е годы стиль ар деко стал определять художественное решение не только уникальных украшений, выполнявшихся с использованием камней высокой стоимости - в этом стилевом ключе во многих странах Европы и Америки создавали и менее дорогие вещи, предназначенные для довольно широкого круга покупателей. На рынке драгоценностей были востребованы бриллиантовые броши-клипе и сотуары, а особенно - элегантные браслеты, в которых некрупные бриллианты подчеркивали четкие линии плоских орнаментальных узоров. Подобные украшения изготавливали в большом количестве многие ювелирные фирмы, не случайно и в наши дни их можно увидеть в любом крупном антикварном магазине или встретить в каталоге аукциона.
Принято считать, что стиль ар деко господствовал в мире искусства немногим более двух десятилетий, от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако образный строй и приемы, разработанные мастерами ар деко, оказались настолько жизнеспособны и универсальны, что его влияние ощущали ювелиры всех последующих поколений. И в этом кроется удивительный феномен ар деко.
В 20-30 -е годы ХХ века сформировалось направление в искусстве, которое в Америке называли «стилем звезд», в Европе джазовым модерном, обтекаемым модерном и зигзаг модерном. Но более это стиль известен, как Ар Деко. И так же, как звезда, этот стиль вспыхнул в период между двумя мировыми войнами и был забыт. После потрясений второй мировой войны он стал казаться слишком архаичным и претенциозным.
Антикварные изделия ар-деко на мировом художественном рынке
Понадобилось несколько десятков лет, чтобы на мировом антикварном рынке вспомнили и по достоинству оценили эффектные и рафинированные изделия Ар Деко. На возвращение интереса к «стилю звезд» повлияла Парижская выставка 1966 года, а затем и знаменитая продажа на аукционе коллекции изделий в стиле Ар Деко Жака Дусе, эти события сделали произведения «обтекаемого модерна» одними из самых дорогих и эксклюзивных. Теперь покупка в стиле Ар Деко — настоящее события для коллекционеров. Ведь изделий «джазового модерна» сохранилось не так много. Раритетность изделий Ар Деко объясняется просто, после военных катаклизмов их в Европе сохранилось немного, несколько больше в Америке. Поэтому купить антиквариат в стиле Ар Деко и при этом быть уверенным, что это не подделка, довольно сложно.
Антикварные ювелирные украшения ар-деко: особенности стиля
Термин Ар Деко возник от сокращенного названия Международной выставки современных декоративных и промышленных искусств 1925 года в Париже. Для того, чтобы отличить изделия этого стиля от Арт-Нуво или более поздних направлений в искусстве стоит помнить несколько их внешних признаков: геометричность форм, склонность к стилизации, использование дорогих и экзотических материалов, применение различных художественных техник при работе с материалом. Двадцатые года ХХ века были временем открытий сокровищ древнеегипетской цивилизации, художники для многих изделий использовали мотивы древнеегипетского, древнегреческого искусства.
Популярна была стилизация по африканским, китайским и японским мотивам. Для того, чтобы купить антиквариат именно Ар Деко, а не более позднюю подделку, стоит помнить о его основных признаках.
Те же стилевые особенности характерны и для антикварных стиля Ар Деко. Ювелиры в одном изделии сочетали несочетаемые по существовавшим ранее правилам материалы: полудрагоценные, поделочные и драгоценные камни. Кстати, ювелиры предшественника Ар Деко — стиля Арт-Нуво стали первыми практиковать использование полудрагоценных камней, в более раннюю викторианскую эпоху действительно ценным украшением считали изделия с использованием только драгоценных камней. Арт-Нуво ввел в моду такие камни, как опал, более важным стало считаться художественное мастерство, а не стоимость материала. Эту тенденцию продолжили и развили ювелиры Ар Деко. Новый стиль требовал нестандартных и смелых решений. Известный ювелир Жорж Фуке объединял в одном изделии эмаль и бриллианты, топазы и аквамарины. Слоновая кость в сочетании с черным ониксом была использована для создания брошей, сейчас эти изделия работы Жоржа Фуко являются украшением собраний антиквариата, покупка антиквариата такого уровня — большая удача для коллекционеров.
Время расцвета Ар Деко было временем первой индустриальной революции, люди были увлечены скоростью, ритмом больших городов, недавно появившейся джазовой музыкой. Жорж Фуке, объясняя особенности нового стиля, подчеркивал значение скорости для современной жизни. Поэтому для ювелирного украшения, писал один из основателей стиля Ар Деко, важна простота линий, свобода от излишних и поверхностных деталей. Такой лаконизм необходим для мгновенного восприятия всей композиции ювелирного изделия.
Среди других представителей ювелирного искусства, кроме уже упомянутых Жака и Жоржа Фуке, стоит назвать Поля Брандта, Жана Деспре, Раймона Тамплие, художников фирм «Ван Клиф и Арпельс», «Картье», ювелирных домов Тиффани и Шоме.
Ар-Деко — антиквариат в Санкт-Петербурге и Москве
Одной из особенностей ювелирной моды Ар Деко была популярность длинных жемчужных ожерелий. Их несколько раз оборачивали вокруг шеи или они украшали вечернее платье, спускаясь сзади по его вырезу. Модным было сочетание жемчуга с кораллами, черным хрусталем, ониксом или бирюзой, иногда на одной нитке камни нанизывались вперемешку. Особенно популярными были кулоны. Как и для всех изделий Ар Деко для них была характерна строгая геометрическая форма. Двадцатые годы были временем увлечения машинами, скоростью. Не удивительно, что олицетворением «джазового модерна» был автопортрет Тамары де Лемпицкой, её «Автопортрет в зеленом «бугатти», написанный в 1925 году, изображал независимую, элегантную даму за рулем автомобиля. Ювелирный дом Фуке точно почувствовал эту «технократическую» тенденцию. Он выпустил серию украшений со своеобразным геометрическим решением: диски из золота или платины были покрыты выгравированными полосами, куда были вдеты аквамарин, цитрин или топаз. Эти украшения немного напоминали детали машин, по этому поводу журналисты иронизировали и писали, что женщине желательно быть женщиной и не к лицу её носить в качестве украшений гайки и шурупы. Впрочем, в то далекое время человечество еще было упоено возможностями техники и склонно к её поэтизации.
Несмотря на сравнительно небольшое количество сохранившихся изделий стиля Ар Деко, они стали появляться в антикварных магазинах Москвы и Санкт-Петербурга. На антикварных салонах, проходивших в ЦДХ, впервые были представлены крупные коллекции Ар Деко: частная коллекция С. Морозова и галереи «Этно». Так что поклонники «джазового модерна» вполне могут приобрести и ювелирные изделия, созданные в этот период или стилизованные под него.
Происхождение:
1. Ф ранция (Ар-деко. 1925, 1966)
2. США (голливудский стиль, Нью- Йоркский глеем 1930, 1960,1980)
3. СССР (конструктивизм 1920-30г, и сталинский ампир 1935-55)
Основные черты:
1. Форма должна соответствовать функции. Изображение вещи производится от цели.
2. Геометрические ступенчатые или линейные формы. Плоские проекции.
3. Базовые геометрические фигуры: треугольник, эллипс, ромб, зигзаг, роза ветров.
4. Яркие, контрастные цвета.
5. Динамичная композиция или подвижные элементы
6. Четкие края и контуры, скругленные углы.
7. Дорогостоящие материалы: слоновая кость, бронза, полированный камень
8. Материалы для массового производства: хром, стекло, бакелит.
Основные характеристики:
1. Стиль воспевал динамичную обеспеченную жизнь: путешествия, спорт, курорт, сложные товары для скорости, новый тип женщины.
2. Отражение через искусство нового индустриального окружения человека. Трансформации вещной и визуальной среды человека под напором невиданных ранее технических и социальных изменений.
3. Этические мотивы: древнеегипетское и ацтекское искусство, русская вышивка, лубок
Символы или константы стиля:
1. Автомобиль, поезд, пароход,небоскреб, фонтан
2. Скорость, движение.
Как новый стиль Art Deco впервые обозначился во Франции и ярко доминировал в 1918-1939 гг. в Германии , Советском Союзе и США . Для него характерно сочетание монументальных утяжеленных форм с изощренным украшательством; сочетание элементов кубизма и экспрессионизма; использование выразительных форм "технического дизайна".
Толчком к стремительному развитию этого стиля послужила парижская выставка 1925 г., где показывались последние достижения в области архитектуры, проектирования интерьера, мебели, изделий из металла, стекла, керамики. К тому времени, когда парижская выставка в октябре 1925 года закрыла свои ворота, а павильоны были демонтированы, мир оказался готовым к тому, чтобы в нем утвердился новый, ясно обозначившийся стиль.
Эклектизм Art Deco выставки 1925 года показал переплетение различных корней этого стиля, который обязан своим появлением на свет, как кубизму, так и моде на экзотику, а также современному декоративному искусству Австрии, Германии, Голландии, Италии, Чехословакии, скандинавских стран и самой Франции. Новый стиль разработал свой собственный декоративный язык, который продолжал расширяться и совершенствоваться во всех уголках планеты, язык ставший символом динамики и масштабности современного мира. Art Deco был готов к тому, чтобы стать выражением современности, то есть тем стилем, которому было предназначено в ближайшем будущем начать играть большую роль во многих важных сферах производства во всем западном мире.
Начавшись как легкое, изящное новшество, навеянное балетными "Русскими сезонами ", Ар Деко вскоре эволюционировал в олицетворение поразительной простоты и бескомпромиссности жизни в век машин. Представители всех направлений современных изобразительных и декоративных искусств искали способ выражения скорости и напора, с которым автомобили, поезда, аэропланы, радио и электричество изменяли существующий мир, - старались найти цвета и формы, которые были бы проще, отчетливее и сильнее тех, что применялись ранее. Art Deco формировал сам образ жизни людей в межвоенн ые годы, их манеру одеваться и разговаривать, путешествовать, работать и отдыхать. В его власти находились индустрия развлечений и сферы искусства - его дух чувствуется в кинотеатрах, доходных домах, небоскребах, композициях интерьеров и узорах драгоценных украшений, в дизайне кухонной посуды и уличных фонарей, в скульптурах и плакатах, в книжных и журнальных иллюстрациях, в тканях, картинах, в общественных зданиях.
В целом стиль можно рассматривать как последнюю стадию развития искусства периода Модерна или как переходный стиль от Модерна к послевоенному функционализму, дизайну «интернационального стиля». Стиль Ar Deco не раз доказывал свою немеркнущую привлекательность, так как даже в наши дни он остается самым эффектным средством демонстрации элегантности и роскоши.
Посетителям выставки 1925 года было обещано грандиозное зрелище. Она была и тематическим парком, и торговой ярмаркой: Экспозиция занимала большую территорию в центре города по обоим берегам Сены. Правый берег реки был отдан под павильоны зарубежных стран, а мост Александра III Морис Дюфрен превратил в венецианский мост с двумя рядами магазинов. Некоторые из французских павильонов были посвящены парижским универмагам, салонам и крупным государственным фабрикам.
Первая Выставка. Название Ар Деко образовалось из названия Международной выставки декоративных и промышленных искусств и буквально означает «декоративное искусство». По первоначальному замыслу эта выставка должна была проводиться в 1916 г . Однако из–за экономических сложностей в послевоенный период она неоднократно переносилась, и в ней не приняли участие такие страны как Германия и Нидерланды . США получили приглашение слишком поздно и не смогли (?) подготовиться должным образом.
В условиях участия в выставке был пункт, согласно которого экспонаты должны были олицетворять воплощение нового в искусстве и не иметь никакой связи с распространенными ранее стилями. Организаторы хотели привлечь внимание, восстановить образ Франции, как законодателя моды и стиля, главного источника предметов роскоши. Основным посылом был призыв выпускать оригинальные вещи, создать концепцию, соответствовавшую растущей индустриализации.«Огромные стеклянные фонтаны играют среди кубистических деревьев в натуральную величину, и водопады музыкальных звуков стекают вниз по аллеям с головокружительных вершин четырех гигантских башен. Пройдите в павильоны и … вы увидите мебель поразительных и невиданных ранее форм, декор невообразимого рисунка на стенах, на полу и на потолке».
Двадцать два зарубежных павильона составили относительно небольшую часть экспозиции по сравнению с преобладающей долей Франции, однако, их разнообразие свидетельствует об отсутствии господствующего стиля. Стили на выставке варьировались от радикального конструктивизма советского павильона до консервативной псевдоцерковной английской экспозиции.
И все-таки к некоторым стилистическим особенностям, отчетливо проявившимся на выставке 1925 года, впоследствии приклеилась этикетка Art Deco. Это, прежде всего, тенденции, послужившие основой для интернационального определения стиля. В этом смысле типичны тяжелые округлые очертания роскошной мебели Рюльманна , стилизованный рисунок мебельной обивки Луи Сю и Андре Мара , стеклянные каскады Рене Лалика , а также ансамбли Поля Фолло, Мориса Дюфрена , для которых характерны простота изгибов фанерованного дерева, необычное освещение, зигзагообразный рисунок и мебель с прямыми углами. Во всем ощущалось некое единство, особенно очевидное, по-видимому, для тех, кого оно раздражало. Один американский критик сетовал: «Унылое чередование углов, кубов, восьмигранников, квадратов и прямоугольников создает настроение не столько бунта, сколько забавы». А ведь как раз через развитие и адаптацию этих форм, происходила популяризация и интернационализация Art Deco. Они-то и определили многообразие словаря «последнего из тотальных стилей».
Первое употребление названия:
Само название - арт деко - появилось в 1966 г . Именно тогда в Париже в Музее декоративных искусств была сформирована экспозиция произведений прикладного искусства 20–30-х годов, созданных на основе “выразительных конструкций, заключавших динамическое пространство в закрытом объеме массы” *. До этого арт деко называли “джазовый модерн ”, “потокообразный (обтекаемый) модерн”, “зигзаг-модерн”, а в США - “звездный стиль ” (имелись в виду звезды Голливуда, носившие одежду Ар Деко, жившие в домах архитектуры Ар Деко, оборудованных соответствующей мебелью и утварью).
Ар Деко нередко называют последним большим стилем. Скорее всего это просто красивая фраза. Мы согласны, что Ар-Деко -большой стиль, но не последний. На наш взгляд стиль реализованный (запечатленный) в архитектуре уже имеет полное право называться большим стилем, и каждое направление становится стилем, когда на него вырабатывается анти стиль. Ар деко «отметился» во всех видах деятельности человека -творца, от утилитарных предметов домашнего обихода до живописи и архитектуры.
Формирование стиля:
Искусствоведы легко находят в произведениях Арт Деко заимствования у модерна, кубизма, абстракционизма, футуризма, искусства древнего Египта, Африки, Японии… Но каждая составляющая этого “коктейля” была актуальна для людей 20-х годов, переживших самую страшную войну, осознавших, что возврата к прежнему миру уже не будет, увидевших, что мир гораздо больше и разнообразнее, чем казалось им прежде. ХХ век - начало формирования той парадигмы социально-экономического развития, которая позже, в 50-х годах, получит выразительное название - “общество потребления ”. Стремление европейцев и американцев к эстетизации повседневной жизни, комфорту, активное внедрение новых технологий в быт людей, переход в разряд серийной продукции тех артефактов, которые еще десять лет назад относились к предметам роскоши (например, автомобиля ) - все это требовало адекватного художественного освоения новых технических и человеческих реалий.
Переплавившись, все эти новации породили искусство, в котором господствовали одновременно две взаимоисключающие, на первый взгляд, тенденции. С одной стороны - “энергетические” построения в виде зигзагов, молний, вспышек света, треугольников, ромбов, растянутых эллипсов - всего того, что помогало отразить ощущение движения, скорости
, энергии, напора. Казалось, что вокруг некоторых произведений арт деко
“свистит ветер”.С другой стороны, все эти диссонансы парадоксальным образом соединялись с подчеркнутой элегантностью, упрощенность
с аристократизмом.
Ар Деко
в центр своей концепции поставил гедонизм и неотделимый от него комфорт повседневной жизни. А для этого вещи, окружавшие человека, должны быть прежде функциональны
, т.е. наилучшим образом приспособлены для выполнения своих прагматических задач. Форма
же, во-первых, должна соответствовать функции
, а, во-вторых, отражать основную черту современного мира - стремительность изменений, их новизну
Именно в рамках Ар Деко
впервые появилась элегантная мебель из полых металлических трубок, схожих с рулем велосипеда, ювелирные изделия из алюминия, элементы интерьера из сварной стали, неоновый свет.
Реализация в архитектуре.
Хаос, сложность и полихромность Модерна
рано или поздно должны быть заменены. С Ар Деко
в архитектуру пришла ясность
, устойчивость, классичность и визуальная простота. Порядок, цвет, геометрия
- манифест Ар деко. Ар деко, как и Модерн, стиль интернациональный и проявившийся как в Америке, в Европе и в Азии, зарождаясь Ар деко заимствует некоторые принципы у Модерна. В остальном же эти течения довольно сильно отличаются.
В первую очередь на место асимметрии и поэтического беспорядка возвращается ось симметрии
и геометрия, людям захотелось почвы под ногами. Новый стиль геометричен, упорядочен, расчетлив
- всегда, вплоть до орнамента. Симметрия в Ар деко предпочтительна, однако порой ее может и не быть, но при этом обязательно должно быть равновесие масс в композиции. В Ар Деко во главе угла - стремительность линии
. Особенно хорошо она видна в небоскребах в США.
В США в 30-х
годах Ар Деко
перешел к элегантному функционализму.
Классическими примерами архитектуры Ар Деко
являются небоскребы Нью Йорка. На Манхеттене насчитывается около 150 небоскребов
, относящихся к этому стилю.
США Крайслер Билдинг
Ввиду того, что машины становятся блестящими, Ар деко
любит блеск, отражающие поверхности, ну и, само собой, металл и его имитацию. При этом материал не изменяется визуально, и в отличие от Модерна, если это металл, то он строго геометричен.
Наиболее ярким примером традиционно считается знаменитый небоскреб Крайслер-билдин
г (англ.Chrysler Building). Вершину здания украшает 38 метровый шпиль из нержавеющей стали Крайслер билдинг - активное участие металла, и ощущение ракеты. Построен по проекту архитектора Уильяма ван-Эллена (William van Alen) и открыт для публики 27 мая 1930 года. Это величественное сооружение поражает не только размерами, но и своей элегантностью.
За внешней простотой здания - сложная отделка из дорогих материал внутренних интерьеров. В Ар деко используются элементы античных орнаментов, но это не точные копии, а переосмысленные вещи. Орнаменты не только греческие или римские - это и Египет, и Месопотамия, и Африка. Для Ар Деко
"роскошь" - это не только дорогие материалы
, но и визуальное богатство:
яркие, насыщенные цвета. Как правило, используется более чем 3 цвета, и это выглядит удивительно целостно и неожиданно красиво. На фоне шахматного контраста черного и белого - горящие вкрапления красного и золотого, хромированные предметы интерьера.
Американские архитекторы периода Арт-деко
были преднамеренно скупы
и рациональны в оформлении экстерьера
здания, но расточительны
и креативны в оформлении его интерьеров:
подъездов, холлов, коридоров, лифтов и вестибюлей, ну и, конечно, апартаментов, гостиничных номеров и офисов, затрачивая на это как значительные средства, используя дорогие материалы и современные технологии, так и творческую фантазию и художественное мастерство.
Другие небоскребы Америки:
Обратите внимание, что многие здания стиля Арт-Деко некоторым образом напоминают египетские пирамиды . В 1922 году весь западный мир потрясло открытие гробницы Тутанхамона. Видимо, поэтому всеобщее увлечение архитектурными мотивами Древнего Египта (пирамиды), Месопотамии (зиккураты) было характерно для архитектуры Арт-Деко . Часто главные архитектурные элементы дома можно заметить, только высоко подняв голову. И Крайслер–билдинг, и Рокфеллеровский центр, и Эмпайр Стейт предстают во всей красе только с почтительного расстояния. Фасад высокоэтажного дома может выглядеть простым и незатейливым вплоть до 20-го или даже 30-го этажей, а выше будет богато и затейливо декорирован.
1. Радиатор Билдинг Манхеттен. Нью Йорк. 2.Niagara Mohawk Building, построено для крупнейшей электроэнергетической компании в США.
Азия, Китай, Шанхай.
Достопримечательность Шанхая – набережная Вайтань. Вайтань(Бунд) – это, пожалуй, одна из самых некитайских достопримечательностей Китая. Когда-то в далекие времена здесь была зона для иностранцев. Проживать, арендовать и выкупать землю и недвижимость по эту сторону Хуанпу разрешалось лишь жителям иных государств. Таким образом, набережная на некоторое время стала маленьким оазисом западного бытия в азиатской стране. Позже Вайтань заполонили шанхайцы и жители других близких городов, а как память о прежних поселенцах здесь так и остались дома, памятники и другие различные сооружения… Сегодня на Вайтань расположено более 50 зданий, выполненных в самых различных архитектурных стилях: классицизм, барокко, ар-деко, готический, Beaux-Arts (бозар), романтизм, ренессанс...
Благодаря этому место получило такие лестные прозвища, как «музей мировой архитектуры» или «ярмарка зодчества десяти тысяч государств».
К востоку от Бунда -шанхайской набережной, взметнулись в небо небоскребы «восточного Манхэттена» Пудуна; некоторые из них не знают себе равных в мире по высоте и по современности архитектуры. Шанхайский всемирный финансовый центр - небоскрёб в Шанхае, строительство которого было завершено летом 2008. Высота центра составляет 492 метра.
Сингапур
Отель Parkview Square (2002).
Отель любовно называют Gotham Building. Стилистика Бэтмана отражает сущность Ар Деко
С С С Р Конструктивизм часто называют отечественным аналогом Ар Деко. Социальное пространство у художников Запада и Советской России было разное, но историческое время было одно и то же, которое приводит творческих людей к очень схожим художественным решениям, порой на грани прямого совпадения. (фото пано Крайслер билдинг и Советских)сталинские высотки
Среди станций Московского метрополитена наиболее яркими примерами служат станции «Кропоткинская» (первоначально «Дворец Советов») «Сокол», «Аэропорт», но самой Ар Деко(шной) является станция «Маяковская» , с мозаичными плафонами, спроектированная архитектором Алексеем Николаевичем Душкиным и получившая гран-при на всемирной выставке 1939 года в Нью-Йорке. Смонтированные в куполах-кессонах мозаичные панно выполнены по эскизам художника Александра Дейнеки на тему «Сутки Страны Советов»: утро (7 панно) - день (8) - ночь (5) - утро (15). Предполагалось, что входящих и выходящих пассажиров будут «приветствовать» утренние сюжеты. На всех панно – жизнь граждан молодой советской страны. Последним крупным проектом, относящимся к стилю Ар Деко в СССР, стала первая очередь Ленинградского метрополитена
Советский Ар Деко - это павильон СССР на парижской выставке 1937
г. с увенчивающими его “Рабочим и колхозницей” Веры Мухиной. Павильон СССР и павильон фашистской Германии стояли друг против друга в самом центре выставки.
Возникала неловкость от того, что наша группа "Рабочий и Колхозница" вихрем летела прямо на фашистов. Но повернуть скульптуру было невозможно, так как она шла в направлении здания.
Немцы долго выжидали, желая узнать высоту павильона СССР вместе со скульптурной группой. Когда они это установили, тогда над своим павильоном соорудили башню метров на десять выше советской. Навеpxy посадили нацистского орла. Но для такой высоты орел был мал и выглядел довольно жалко
Всесоюзная сельскохозяйственная выставка, получившая со временем название ВДНХ , стала архитектурным шедевром эпохи социалистического реализма, до сих пор так и не оцененным должным образом. Некоторые, если не многие, из павильонов представляют собой совершенные по форме творения, уникальные памятники, отразившие дух и суть того идеального и, возможно, недостижимого мира истинной свободы, равенства и братства, который должны были символизировать.
Территория ВДНХ богата различными архитектурными памятниками, многие из которых известны во всём мире. Созданные в советское время, они являют собой памятник советской эпохи, многие из них являются образцами новаторства, мощи, роскоши, фундаментальности, имеют стилевые признаки Ар Деко . 18 апреля 1963 г ЦК КПСС и Совет Министров СССР приняли постановление о перепрофилировании ВДНХ
ВВ 1920-1930-х годов. Ар деко
оставил на память о себе великолепные интерьеры московского метрополитена, остатки довоенной роскоши ВДНХ
и фарфор Ленинградского фарфорового завода. Безусловно, стиль получил у нас весьма своеобразное преломление. Но «национальный» характер Ар деко
четко просматривается и в культуре других стран. За всем этим многообразием нетрудно разглядеть главное: искусство тех лет - воплощение мифа о новом Золотом веке, выраженное современными художественными приемами. В нашей стране стиль Ар Деко
не был столь широко известен как в Европе и США. Считается, что архитектура эпохи Сталина была одной из попыток создать Ар Деко
Сергей Дягелев
сезонов» Сергея Дягилева, ювелиры, как и их собратья по искусству — архитекторы и художники-декораторы, работавшие над оформлением интерьеров, — окончательно отказались от причудливо изгибающихся линий и блеклого колорита модерна. В поисках новых средств выражения они обратились к ясным геометрическим формам, с четким построением симметричных композиций, главенствующую роль в которых играли прекрасно ограненные драгоценные камни.
Стиль созданных ими произведений позднее назовут ар деко. Он сочетал в себе простоту и роскошь, четкость геометрических конструкций и яркую игру сверкающих камней. Этот стиль, сформировавшийся к началу 1920-х годов во Франции, вскоре покорил США, а затем и большинство стран Европы, подчинив своим художественным принципам практически все виды прикладного искусства, включая костюм.
Новая мода полностью подпала под власть чистой геометрии, и женский костюм, напоминавший кроем рубашку, стал определяться строгой 
конструктивностью. Среди творцов моды появились новые имена. В 1920 году в Париже открыла модный салон художница-авангардистка Соня Делоне, украшавшая свои модели яркими геометрическими узорами. В 1930-е годы на небосклоне моды засверкала новая звезда — Коко Шанель, которая уделяла большое внимание ювелирным аксессуарам, а вскоре и сама начала проектировать драгоценности. Новое время породило и новый идеал женщины. Она стала самостоятельной и независимой, равноправным партнером мужчины. Смелые парижанки,
Коко Шанель
признанные законодательницы моды, вскоре после войны в первую очередь остригли волосы, затем укоротили юбки и надели платья без рукавов. Возникло оригинальное направление моды, ориентированное на полудевичьи, полумальчишеские фигуры — так называемая мода «гарсон». Правда, в 1930-е годы линия платья несколько смягчилась, мода-люкс стала более женственной, а представления о красоте воплотились в образах голливудских кинозвезд. Но в оба эти десятилетия женский костюм открывал широкие возможности для фантазии ювелиров.
К числу наиболее живописных украшений, 
несомненно, принадлежала «брошь-кисть», оформлявшая открытый ворот вечернего платья; в дневных, более скромных, туалетах ее заменяла необычайно длинная нить искусственного жемчуга или бусы из камней. В моду вошли длинные серьги, эффектно украшавшие стриженые головки, тяжелые пояса и браслеты, которые зачастую надевали не только на запястье, но и предплечье. Появился новый вид украшения — состоявшая из двух частей брошь с клипсовым замком; ею закалывали модные труакары. Исключительную популярность приобрели в этот период наручные часы, при их создании ювелиры 
проявляли удивительную фантазию. Часы отличались разнообразием форм, богатством декора и изяществом. Корпус и браслеты украшались драгоценными камнями.
Пионерами нового направления в ювелирном искусстве оказались французские мастера. В их числе был и один из самых известных ювелиров Парижа -Жорж Фуке, которого в эпоху модерна называли «вторым после Лалика». В одной из его наиболее совершенных работ начала 1920-х 
годов, в круглом кулоне с симметричными подвесками, уже видны все черты нового стиля -ясная геометрия формы и орнаментального строя декора, смелое смешение дорогих материалов: бриллиантов, изумрудов, ляпис-лазури и горного хрусталя.
Еще более новаторскими были эксперименты его сына Жана Фуке: он создал серию украшений, совсем не похожих на все то, что делалось раньше. В собраниях Парижа и Нью-Йорка хранятся его брошь из слоновой кости и браслет, составленный из круглых желтых золотых звеньев, которые украшены пирамидами из черного оникса и кружками из белого золота. Эти необычные драгоценности явно созданы под влиянием авангардных поисков живописцев начала века, и прежде всего кубистов. Не менее интересны серьги из платины другого парижского ювелира — Раймона Тамплие; в их построении явно ощущаются идеи конструктивизма. Тамплие декорировал строгие геометрические элементы своих «драгоценных конструкций» яркой эмалью или японским лаком, достигая необычайно эффектных цветовых контрастов. Однако эти выразительные и оригинальные работы обоих ювелиров в большей степени производили впечатление «самодостаточных» произведений искусства, чем украшений, гармонично связанных с телом человека и его костюмом. 
Пожалуй, в таком подходе к художественному решению драгоценностей Жан Фуке и Раймон Тамплие почти на сто лет опередили свое время.
В 1920-х годах, на первоначальном этапе создания стиля, который порою называют «джаз-модерн», ювелиры зачастую использовали такие материалы, как эмаль, хром, стекло и пластмасса, и отдавали предпочтение ярким краскам. Но очень скоро они осознали, что послевоенному «потерянному поколению» необходима иллюзия благополучия, которую давали только золото, платина и самые красивые природные камни. Многие люди уже на собственном горьком опыте убедились в том, каким спасительным финансовым источником в грудные времена могут стать драгоценности — к тому же они долгое время были лишены их.
Это очень хорошо понимали ювелиры Дома Картье, всегда являвшиеся приверженцами использования в украшениях самых роскошных камней. Еще перед Первой мировой войной Луи Картье, возможно, первым среди ювелиров почувствовал новые веяния в искусстве и начал стилизовать любимые им мотивы разнообразных гирлянд, придавая им геометризированный характер. Его произведения 1920-1930-х годов наглядно демонстрируют основные этапы развития нового стиля.
На первом этапе Картье отдавал предпочтение гармоничным композициям и простым ясным формам. Первоначально это были круг или сегмент, поскольку он считал, что именно эти геометрические фигуры больше всего подходят для украшений, предназначенных женщине. Позднее он обратился и к другим геометрическим формам: квадрату, прямоугольнику, реже ромбу. Украшения с простым и четким силуэтом, выполненные из оникса, горного хрусталя, нефрита, кораллов или перламутра, он декорировал бриллиантами и другими драгоценными камнями, тонко подбирая их изысканную цветовую гамму.
Но довольно скоро ювелиры Дома Картье отказались от ярких цветов и стали инициаторами появления так называемого стиля «белый ар деко». Строгие геометрические формы их украшений оживляли контрастные сочетания белой платины и бриллиантов с черным ониксом или черной эмалью. На основе этой выразительной оптической игры черных и белых пятен был создан своеобразный мотив, получивший название «шкура пантеры». Этот мотив нашел применение при создании оригинальных брошей в виде пантер или украшений для прически, его использовали и при оформлении наручных часов. Период «белого ар деко», пожалуй, оказался не только наиболее плодотворным в деятельности фирмы, но и наиболее важным для становления нового стиля в целом.
Однако Луи Картье даже в «белый период» не отказывался от цвета, выполняя из изумрудов, рубинов и сапфиров броши, воспроизводящие «вазы с фруктами» или «корзины с цветами». Кстати, мотив корзины с цветами был весьма характерен для декора стиля ар деко. К нему обращались не только ювелиры, но и декораторы — оформители интерьеров, и мастера других видов прикладного искусства. Так, модными композициями в виде стилизованных цветочных корзин любил украшать свою мебель самый именитый французский краснодеревец той поры Эмиль-Жак Рульманн.
Многоцветные драгоценности стали особенно популярными после возникновения моды на индийские украшения. К тому же рынок камней был насыщен рубинами, сапфирами, изумрудами, ограненными в форме листьев, цветов, ягод или шаров. Тогда же появились знаменитые украшения Картье в изобретенной им стилистике «тутти фрутти», они представляли собой яркие многоцветные композиции из резных драгоценных камней. После открытия в 1922 году гробницы Тутанхамона и последовавшего за этим событием всплеска интереса к Египту фирма начала производить красочные украшения, 
выполненные в «египетском стиле». Среди них — эффектные подвески из пластин нефрита, декорированные алмазами и рубинами, и знаменитая брошь-скарабей из дымчатого кварца с крыльями из голубого фаянса, украшенными бриллиантами. Особенно часто ювелиры стали создавать яркие декоративные изделия после кризиса 1929 года: так они пытались, привлекая внимание покупателей, выстоять в это трудное время.
Таким образом, история Дома Картье наглядно иллюстрирует процесс становления стиля ар деко. Окончательно он сформировался к началу 1920-х годов, а своего апогея достиг к середине десятилетия. Временем его триумфа стала Выставка декоративных искусств и современной промышленности, проходившая в 1925 году в Париже. Собственно, именно на этой выставке стиль получил окончательное признание, а позднее ее сокращенное название — «Ар деко» — стало названием стиля.
Экспозиция ювелиров размещалась в роскошном здании Гран Пале. Картье выставлялся в другом павильоне выставки («Элеганс»), объединившись с прославленными модельерами той поры — Бортом, Ланвен и другими, вероятно, с тем чтобы еще раз подчеркнуть неразрывную связь украшений и костюма. Представленные на выставке произведения Фуке, Сандоза, Тамплие, Бушерона, Картье, Ван Клифа, Мобуссена и других французских ювелиров явились завершением поисков предыдущего периода и символизировали рождение эстетики новой эпохи.
Успех ювелиров, работавших в стиле ар деко, был феноменальным. Формальным признанием нового стиля можно считать то, что высшую награду выставки — Золотую медаль — получил за украшения в стиле ар деко парижский ювелир Жорж Мобуссен. К тому времени его изделия уже были хорошо знакомы любителям драгоценностей. Созданные Мобуссеном колье, в которых закрепленные в платиновую оправу бриллианты чередовались с прекрасными жемчужинами и оформляли центральную часть — жадеитовое кольцо, — отличались удивительной красотой и элегантностью и были предметом вожделения многих светских красавиц и звезд Голливуда. Его подвески в виде стилизованных цветочных ваз и фонтанов, декорированные резными изумрудами, бриллиантами и эмалью, становились объектом для подражания и копирования. Все эти украшения выполнены в стиле ар деко, и именно этот стиль сделал фирму «Мобуссен» знаменитой.
Но развитие стиля не стояло на месте. Он родился в век науки и техники и в значительной мере испытал влияние его достижений. Один из ювелиров, участников выставки, писал, что «полированная сталь, тусклый никель, тень и свет, механика и геометрия -все это предметы нашего времени. Мы видим их и живем с ними каждый день. Мы люди своей эпохи, и это основа всех наших настоящих и будущих творений…» Не удивительно, что ради достижения художественной выразительности ювелиры прилагали немало усилий в поисках новых материалов и разрабатывали новые технологические приемы.
Наибольшего успеха добилась фирма «Ван Клиф и Арпельс». В 1935 году Альфреду Ван Клифу и Жюльену Арпельсу удалось изобрести новый вид закрепки драгоценных камней — невидимую закрепку (от английского invisible set). Этот способ крепления предусматривает прецизионное гранение подобранных по цвету твердых драгоценных камней -бриллиантов, сапфиров или рубинов, в которых вытачиваются канавки, позволяющие вставлять камни вплотную друг к другу и таким образом полностью покрывать ими металл, скрывая золотую основу. Этот технологический прием позволил мастерам фирмы «Ван Клиф и Арпельс» — а впоследствии и других фирм — создать серию превосходных украшений в стиле ар деко. Возможно, благодаря именно таким украшениям, впрочем, как и произведениям Картье, Бушерона, Мобуссена и других ювелиров, стиль ар деко стал всемирно признанным синонимом роскоши и своеобразной эффектности.
Уже в 1930-е годы стиль ар деко стал определять художественное решение не только уникальных украшений, выполнявшихся с использованием камней высокой стоимости — в этом стилевом ключе во многих странах Европы и Америки создавали и менее дорогие вещи, предназначенные для довольно широкого круга покупателей. На рынке драгоценностей были востребованы бриллиантовые броши-клипе и сотуары, а особенно — элегантные браслеты, в которых некрупные бриллианты подчеркивали четкие линии плоских орнаментальных узоров. Подобные украшения изготавливали в большом количестве многие ювелирные фирмы, не случайно и в наши дни их можно увидеть в любом крупном антикварном магазине или встретить в каталоге аукциона.
Принято считать, что стиль ар деко господствовал в мире искусства немногим более двух десятилетий, от конца Первой мировой войны и до начала Второй. Однако образный строй и приемы, разработанные мастерами ар деко, оказались настолько жизнеспособны и универсальны, что его влияние ощущали ювелиры всех последующих поколений. И в этом кроется удивительный феномен ар деко.
